Les séances de photos en extérieur impliquent généralement des défis, qui s'ajoutent au mouvement, mais de mon point de vue, elles peuvent apporter aussi plus de dynamisme et de créativité à vos photos !
Mais commençons par le début : que faut-il entendre par composition ?
La composition est la manière dont vous disposez les éléments d'une photo. C'est un aspect crucial de la photographie, quel que soit le genre que vous préférez. La photographie de danse ne fait pas exception. Il est trop facile de se concentrer sur l'incroyable talent du danseur que l'on photographie et d'oublier complètement l'environnement. En fin de compte, il ne s'agit pas seulement de "capturer" le mouvement au bon moment, mais aussi de le montrer de la meilleure façon possible. C'est là que la composition entre en jeu !
Dans le cadre d'une séance photo de danse en extérieur, lorsqu'il s'agit de composer et de cadrer des images, vous devez travailler avec ce dont vous disposez.
Examinons ensemble quelques idées de composition pour vous aider à capturer de belles images de danse en extérieur :
LE MOINS EST LE PLUS
En règle générale, lorsque vous photographiez de la danse ou du mouvement, vous voulez donner la priorité au/à la danseur/se et laisser son talent briller.
La création d'un sentiment de minimalisme aidera le spectateur à se concentrer sur l’artiste (le sujet principal).
Choisissez un arrière-plan simple et minimaliste. J'aime photographier les danseurs dans un grand espace ouvert avec peu de distractions, comme dans la nature. N'ayez pas non plus peur des espaces "négatifs" !
LIGNES DIRECTRICES
N'oubliez pas qu'une photographie traduit une réalité 3D en 2D, au risque d'aplatir l'image et de perdre de la profondeur. L'utilisation de lignes directrices vous permettra de réduire cet effet et de donner de la profondeur et du dynamisme à vos photos. Grâce aux lignes directrices, vous pouvez aussi guider le spectateur dans vos images afin de concentrer son attention sur une partie spécifique de l'image ou accentuer un mouvement. Les lignes ne doivent pas toujours être droites.
RÈGLE DES TIERS
La règle des tiers est la technique de composition photographique la plus connue. Mentalement ou en utilisant une grille sur votre appareil photo, divisez votre photo en tiers (verticalement et horizontalement). Pensez à cette grille lorsque vous prenez une photo et essayez de placer le/la danseur/se à l'intersection ou le long des lignes de la grille.
Parfois, placer le danseur au centre du cadre fonctionne bien, mais pour éviter que la composition ne devienne banale, vous devez introduire des éléments dynamiques (cadrage, fond, mouvement, etc.).
Sinon, essayez de décentraliser les éléments de la photographie, de jouer avec les reflets, les ombres, le contexte autour de vous... et vous verrez que le résultat sera intéressant et l'image sera plus équilibrée et plus agréable à l'œil du spectateur.
SE FOCALISER SUR DES DÉTAILS
Une bonne photo de danse ne doit pas nécessairement représenter l'ensemble de la figure ; au contraire, un cadrage plus serré permet parfois à l'observateur de se concentrer sur un geste, un regard ou une expression du visage : des éléments qui risquent de passer inaperçus dans les photos qui visent à mettre en valeur le mouvement du corps dans son intégralité.
SÉPARER ET AJOUTER DE LA PROFONDEUR
Utilisez une faible profondeur de champ ou une " grande ouverture " (f/1.8 ; f/1.4) pour isoler un danseur de l'arrière-plan en le rendant flou. Cet effet est également appelé "bokeh", un mot japonais qui signifie "flou". Le bokeh valorise le sujet en premier plan et rend généralement les images plus attrayantes. Vous pouvez également créer un effet artistique en utilisant une plus grande ouverture et en plaçant un objet plus proche de l'appareil photo devant la danseuse.
CADRE DANS LE CADRE
Créer un cadre à l'intérieur de votre cadre est un autre excellent moyen d'ajouter de la profondeur à votre image. Cherchez des arches, des ponts, des fenêtres, des branches d'arbres surplombant le cadre, et bien d'autres choses encore pour séparer la danseuse de son environnement et attirer le regard du spectateur sur lui.
JUXTAPOSITION
Il s'agit de combiner des éléments contrastés ou complémentaires les uns des autres dans vos photos. C'est un moyen efficace de raconter une histoire. Photographier des danseurs classiques dans des zones de graffitis ou des danseurs de rue dans les quartiers historiques d'une ville sont des exemples de juxtaposition dans la photographie de danse.
Vous pouvez également créer des associations de couleurs pour souligner une couleur spécifique ou pour accentuer l'harmonie chromatique.
Il n'y a pas de "règles" qui ne puissent être transgressées. En outre, il ne s'agit pas de "règles" mais simplement de lignes directrices pour vous aider à planifier et à mettre en place vos images de photographie de danse en extérieur.
La photographie de danse est pleine de défis uniques, ce qui la rend encore plus gratifiante lorsque vous obtenez LA PHOTO.
Si vous n'avez pas encore essayé ce genre de photographie passionnant, prenez votre appareil photo et allez-y ! N'hésitez pas à consulter mes précédents articles de blog sur la photographie de danse ici.
Et si vous avez envie de vous plonger dans ce domaine avec un atelier de photographie de danse, n'hésitez pas à consulter les détails et les prochaines dates ici.
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